5-17 июня в Шоколадном домике проходит выставка Ильи Чичкана «Der’mo & Zoloto» (живопись, видео, объекты, инсталяции).
Кураторы: Владимир Кадыгроб, Екатерина Тейлор.

Проект Ильи Чичкана «Der’mo & Zoloto» родился из хаоса окружающего мира, где обреченно барахтаются человеческие существа в поисках истины, смысла и счастья.

Многие тысячи лет люди искали смысл и счастье – так появились цивилизации и религии, философия и искусство, психоанализ и Голивуд. Но даже разгадав письмена Бога на шкуре ягуара из разказа Борхеса, увидев на миг невыносимую гармонию Колеса Вселенной, человек обнаружит счастье в одной-единственной точке – в самом себе.

Проект «Der’mo & Zoloto» – не только о поучительном контрасте счастливой бедности Востока и обременительного богатства Запада. Это проект о встрече с Другим и преодолении предрассудков, освобождении от глупых кумиров и прае говорить о мире своими словами.

Для некоторых людей, стран, временных отрезков хаос – это состояние души.

Илья Чичкан, Гоа – Индия, 2010г.

Представленные работы:
«Каста Золотых попрошаек». Живопись, инсталяция, 10 работ, 2х1.5м. Холст, масло, золотая пыль, мешки с навозом. 2009-2010
«Мех». Живопись, 3 работы. Коровьи шкуры, масло. 2009-2010
«Задний дворик», Живопись, 5 работ. Холст, масло. 2009
«Уроки бытовой йоги (левитация), или Питерские йоги GO HOME». Видео инсталляция. Чучело черепахи, монитор. 2009-2010
«Тренинг». Видео. 2009-2010
Объекты ремиксы: «Саммит 33-х попугаев», «Скажи Гонзалес а Бог есть?»

Шоколадный дом.
Киев, ул. Шелковичная, 17/2
Тел.: (044) 253-05-21
Цена билета 20 грн.

P.S.  Также, в Ludmila Bereznitska & Partner Gallery проходит выставка «Поверхностная реальность» Маши Шубиной (жена Ильи Чичкана), которая также является результатом поездки в Индию.

С 21 мая по 10 июня в Ludmila Bereznitska & Partner Gallery пройдет выставка «Поверхностная реальность» Маши Шубиной.

Новый проект Маши Шубиной вполне сопоставим с известным кредо художницы – работать с собой и над собой. Вместе с тем, положение «героини-Маши» в новой серии смещается с позиции «Центра Вселенной» в плоскость «мир глазами Маши». В нашем проекте Маша превращается в наблюдателя, в некого активного созерцателя или акционера, который выражает свое несогласие или солидарность с тем, что происходит вокруг.

Объект ее исследования – вечная и бесконечная природа Индии и то, что с ней сделали и делают различные исторические культурные напластования. Эти, въевшиеся в структуру предметной среды, слои вполне красноречивы. Они повествуют о борьбе между природой и цивилизацией. Помочь природе вернуть ее первозданность решила и Маша. Она придумала и провела настоящий эксперимент, использовав для этого свой художественный инструментарий.

Что это за инструментарий, как он был применен в художественных акциях Маши, как она в действительности боролась против заcилия «псевдо» и суррогатных ценностостей, мы с Вами увидим на выставке в галерее.

Этим проектом Маша Шубина выражает свое отношение к варварству цивилизации по отношению к древней культуре и на этой критической волне сама создает собственные художественные суррогаты, заставляя историю и ее завоевания служить свободному волеизъявлению современного творца.

Так известная украинская художница Маша Шубина выражает свою социальную и художественную позицию, призывая нас к социальной ответственности и борьбе за чистоту окружающей среды.

Людмила Березницкая

На поверхности болота иногда возникает иллюзия проходимости. На поверхности моей жизни – также. Но если углубиться, то это непроходимые джунгли бытия и работы – работы над ошибками, работы над собой.

Не секрет, что во время украинских зимних морозов я пребывала в Индии. И это здорово. Но когда я слышу вопрос «Как отдохнули?», мне становится неловко за человека, который его задал. Я не отдыхала. Я работала. И тот факт, что мне не приходилось отыскивать в шкафу пару теплых носков и кутаться в шарф, не означает, что я ничего не делала. Результат Вы сможете увидеть сами.

Благодаря индийскому материалу поверхность простого полотна с печатью производителя «отпечаталась» на моем лице. Таким образом, моя небольшая «работа» четырех месяцев наложилась на многовековую традицию текстильной мануфактуры Индии, где само полотно является конгломератом вcех плащаниц, всех народов и всех религий в интерзоне.

В данной интерзоне пластик и синтетическая эстетика зачастую преобладают над органикой, которую так пропагандируют приезжие биоактивисты.

Так, например, во времена освоения Андаманских островов правительство Индии отправило ряд катеров, полностью загруженных пластиковой разноцветной утварью. В результате все судна были обстреляны с берегов стрелами туземцев. Высадка на берег не состоялась, цивилизация не нагрянула. Но, спустя некоторое время, на прибрежной полосе диких островов накопилась куча вторичного мусорного пластикового сырья, прибитого водным течением со стороны Таиланда.

Таким образом, желание «опластмассить» девственное общество достигло своих успехов, как побеждает приучение младенца к резиновой соске, что стирает какую-либо этническую привязку.

Но, тем не менее, стереть культурный псевдослой почти невозможно, как ни старайся. Я старалась – три подхода по 20 минут каждый день.

Таким образом я, чужестранка, боролась и впитывала поверхность субкультуры, впитывала поверхности. И накладывала её на собственное видение ситуации. А ситуации бывают разные…

Шубина Маша, Гоа-Киев, 2009-2010г

Открытие выставки 20.05
Ludmila Bereznitska & Partner Gallery
Киев, Андреевский спуск, 2-Б

З 18 до 31 березня в Центрі сучасного мистецтва «Совіарт» пройде виставка Володимира Яковця «Тексти».

Із текстами художник почав працювати ще з 1990 року. В різні періоди тексти то з’являлися, то зникали в його роботах.

Виставка сформована з таких серій:
1. «Сусіди»
2. «Блакитна культура» – інформаційний смог заполонив все, хочеться свіжого повітря. Тексти, тексти, тексти…, за ними скульптури – це історія, це полювання на метелика, це перекинутий саркофаг, це мати півнів, це ліфт кришталевий, і хтось вгорі в нім стоїть і піднімається на перший поверх.
3. «Покоління» ( Передчуття «кайхву» поцілунку різнокольорових губ).
У цих полотнах є елемент прихованої еротичної містики, що виринає з інфантильної чорної дірки.
Для виставки Андрій Сорокін створив звукову доріжку, трансформував діалог великих композиторів ХХ сторіччя Джона Кейджа та Мортона Фелдмана.

Координатор проекту: Володимир Гойсман
Технічна підтримка: Анна Алабіна, Віктор Нуйсков
Звук: Андрій Сорокін
Підготовка експозиції у співпраці з колективом ЦСМ «Совіарт»

Про автора:
Народився в м.Черкаси, 14 жовтня 1960р.
1970-76рр. – заняття в художній студії
1976-80рр. – навчання в Ужгородському училищі прикладного мистецтва.
З 1994р. є організатором чисельних молодіжних виставок і пленерів.
Член Національної спілки художників України з 1990 року. У 1999 році отримав звання «Людина року» за кращій художній проект.

ЦСМ «СОВІАРТ»
Київ, Андріївський узвіз, 22-А
Тел.: +38 (044) 425-2219, 425-1079

Экспозиция «На поверхности» – это продолжение проекта, стартовавшего весной минувшего года в рамках художественной стратегии “Kyiv. FineArt” выставкой нового украинского пейзажа «Между небом и землёй». Таким образом «На поверхности» – это актуальное видение современными украинскими художниками еще одного жанра живописи – натюрморта. Натюрморт- это начальная стадия работы художника с цветом и пространством. Художник – начинается с натюрморта, предлагающего зрителям завораживающую, гипнотизирующую и соблазнительную поверхность.

Татьяна Франчук

Kyiv.Fine Art
Киев, ул. Дарвина, 5
Тел.: +38 (044) 490-58-58

Новый выставочный год PinchukArtCentre открывает двумя персональными выставками. Оба проекта посвящены изменениям в национальных культурах в контексте современной жизни мира, и специально для них созданы новые работы, исключительно для представления в PinchukArtCentre.

На 2 и 3 этажах арт-центра  выставка идийского худоджника Субодха Гупты (Subodh Gupta) «Вера имеет значение (Faith Matters)».

На 4 и 5 этажах   проект Сергея Браткова «Украина»

Субодх Гупта – «Вера имеет значение»

PinchukАrtСentre представляет «Вера имеет значение» – первая персональная выставка Субодха Гупты (Subodh Gupta, Индия) в Восточной Европе. Специально для этой выставки художник создал целый ряд новых работ, среди которых три новые скульптуры и семь картин. Художник фокусируется на проблемах национальной принадлежности и культурных изменений. Всего экспозиция представляет 17 работ.

Название «Вера имеет значение» – это название главного произведения экспозиции. Эта инсталляция репрезентует большой город и его беспрерывное механическое движение с помощью суши-конвейера заваленного кипами классической индийской кухонной утвари. На первый взгляд, название работы противоречит современному виду инсталляции, но в ней скрыт подтекст. Вера имеет значение не только как верование, но и как отношение к материальным вещам веры. Эти кипы кухонной посуды являются символами, тесно связанными с будничной жизнью и заключают в себе религиозную ценность.

Готовые предметы кухонных принадлежностей, которые Гупта использует в своих работах, включают в себя как весомую частицу истории культуры, так и передают символическое значение, демонстрируя изменения в экономической и культурной жизни страны. В работах индийского художника эти предметы впитывают изменения и молчаливо несут их с собой. Такой разлом становится очевидным в сочетании, главным образом, предметов из нержавеющий стали и «небоскребов», сделанных из латуни.

В своей работе «Всего один завтрак» (Only one Tiffin) Гупта снова использует готовые кухонные предметы, но полностью «переворачивает» инсталляцию, добавив в неё красное пятно, в виде красной хлопчатобумажного мешка с посудиной внутри – «всего один завтрак». На протяжении всего своего творчества Гупта манипулирует готовыми предметами, изображая (в абстракции) игру нового промышленного против традиционного. По своему смыслу и абстрагированию творчество художника отвечает традициям Индии и истории искусств, но, вместе с тем, выходит далеко за их границы, что и выводит предмет конкретного культурного происхождения и иконографического значения на уровень мировой иконы. Эта тенденция находит свое продолжение и в холстах, представленных в арт-центре, где те же вещи становятся главными героями. Как и в инсталляции «Вера имеет значение», посуда находится в постоянном движении, она падает, движется мимо, становясь настолько невыразительной, как абстракция, или иногда даже приобретает органические формы: благодаря не только идее холодного металла, но и отблеска красок, разбивающих однообразие.

«Космическая битва» (Cosmic Battle) – новый шаг в творчестве Гупты, которым он трансформирует идею «редимейд» (readymade), обогащая ее нарративной конструкцией, демонстрируя этим коллизию между добром и злом, соединяя вместе с тем две культуры, две веры, две иконы. Изображение Дурги – богини женщин-воинов (Индуизм), рожденной космической энергией сраженного божества мужского пола – верхом на льве, с оружием в руке и змеем. Она борется с центаврами – персонажами из греческой мифологии, которые были описаны Данте в «Божественной комедии» как демоны, охраняющие берега рек из крови и своим оружием не позволяющие душам выходить из отведенных им глубин. И снова Гупта привносит неоднозначность в скульптуру, покрасив ее в белый цвет и охладив этим ее драматическую форму. Преобразование скульптуры обретает продолжение благодаря использованию легких элементов, которые придают ей божественной легкости и странным образом усиливают драматический аспект этой «Космической битвы».

Субодх Гупта (Subodh Gupta) родился в 1964 году в городе Кхагаул индийского штата Бихар. Он учился в художественном колледже в городе Патна (1983-1988 гг.), потом переехал в Нью-Дели, где сейчас живет и работает. Гупта начал экспериментировать с разными медиа и кульминацией таких опытов сала инсталляция созданная в 1996 под названием «29 утр». Его работы охватывают скульптуру, инсталляцию, живопись, фотографию, перформанс и видео. Самыми известными работами Субодха Гупты стали скульптуры и инсталляции из металлических кухонных предметов. Гупта превращает иконы индийской повседневной жизни в произведения искусства, понятные всему миру. Он был участником Венецианской Биеннале, Лондонской Frieze, выставлялся в крупнейших музеях мира, среди которых Tate и MoMA.

Сергей Братков – «Украина»

PinchukАrtСentre презентует «Украину» – первую масштабную персональную выставку Сергея Браткова в Украине. Автор создал серию новых фотографий и инсталляций, которые будут представлены наряду с работами, созданными художником на протяжении последних десяти лет, некоторые из них нигде не до этого времени выставлялись. Это дает интересную возможность проследить разные этапы творчества художника. Экспозиция, представляющая около 70 работ – это своего рода повествование, отражающее современную Украину.

Главные работы, выставленные на 4-м этаже, отражают жизнеспособность Украины. В таких работах, как «Вагина, наша Родина», можно увидеть новую экономическую и промышленную мощь, которая определяет новые украинские поколения. Работами серии «Украина» Братков показывает красоту и сюрреалистические особенности Украины, предлагая зрителю не видоизмененное фото, а трансформацию самой реальности посредством фотографии. Автор путешествует по Украине, фиксирует типичные пейзажи и интерпретирует социальные и ментальные чудачества.

В творчестве Браткова нет недостатка юмора как, например, в работе «Евроотель» – маленький автомобиль, напоминающий комнату дешевой гостиницы, маленького дома или борделя. Хотя работы Браткова кажутся светлыми и несколько ироничными, необходимо учитывать и темную сторону каждой из них. Своими изображениями, фильмами и инсталляциями – сами по себе почти полноценные истории – автор указывает на невозможность найти равновесие между реалиями настоящего и руинами постсоветской эры.

Культурные и экономические изменения в Украине представлены через личные истории. Одной из работ, которая более всего затрагивает эту проблему, является «Балаклавский драйв». Это фильм Сергея Браткова о юношах, которые с присущей их возрасту бравадой, стараются впечатлить девушек, прыгая в воду различными ухищренными способами. Но в фильме художник показывает старые бетонные глыбы, руины прошлого. Благодаря черно-белому формату, в котором снято видео, оно может кем-то восприниматься как фильм из прошлого, где мы видим невероятную энергию и светлое будущее, скрытое в этих ребятах. Однако руины, их физическое присутствие – это отображения современности. Таким образом, Братков разворачивает жизнерадостность лицом к угрюмой реальности. Эта работа является поворотной точкой выставки, когда в зеркале, которое перед нами держит Братков и постепенно становится темнее, мы видим работы серии «Дети» и «Ужасные истории» которые разбивают жизнерадостность и красоту части экспозиции на 4-м этаже и переключают внимание на темные личные истории. Однако его произведения всегда сбивают с толка. Браткову нравится «освежать» свое темное зеркало, например, покрасив в голубой цвет стену, где представлены дети – намек на национальность и даже будущее Украины. Художник разрисовывает стену с работами «Ужасные истории» в яркий розовый цвет, и именно этим разрушает однозначное восприятие изображений.

Любая из работ Браткова, представленная на выставке – это размышления на тему изменений в социальной структуре развивающейся страны, а, следовательно – это провокационные произведения с точки зрения политики и социальной культуры.

Сергей Братков родился в Харькове в 1960 году. Живет и работает в Москве. В 2002 Братков принял участие в 25-й Биеннале современного искусства в городе Сан-Паулу. В 2007 он был одним из художников, которые официально представляли Украину на 52- и Венецианской биеннале в рамках проекта «Поэма о внутреннем море», который был организованный PinchukАrtСentre. В число его персональных выставок вошли «Фауст и Маргарита», Центр современного искусства, Киев, 2003г.; S.M.A.K., Гент, 2005; «Часть моей жизни», Московский музей современного искусства, 2006; выставки в Центре современного искусства BALTIC, Лондон, Великобритания, в Музее фотографии Glory Days, Винтертур, Швейцария, 2008 г. и в Canal de Isabel II, Мадрид, Испания, 2009 год.

Выставки продлятся с 23 января до 21 марта 2010 года.

Центр современного искусства PinchukArtCentre
Киев, ул. Красноармейская/Бассейная 1/3-2, Блок «А»
Тел.: +38 (044) 590-08-58

Часы работы: вторник-воскресенье: 12:00 – 21:00
Выходной – понедельник
Вход свободный.

Куратор – Анатолий Дымчук
Главный эксперт – Александр Соловьев (PinchukArtCentre)

Работы для выставки представлены PinchukArtCentre (Киев), галереями «Коллекция»(Киев), «Dymchuk Gallery»(Киев), «Ателье Карась»(Киев), «Арт -Агент»(Киев), YATLO(Одесса), арт-центром Павла Гудимова «Я Галерея» (Киев) и частными коллекционерами.

Рядом с художниками старшего поколения в проекте представлена молодежь, в том числе и авторы, вошедшие в топ-двадцатку номинантов Премии PinchukArtCentre для художников до 35-ти лет. Экспозиция является срезом современного искусства за последние 15 лет.

По словам Анатолия Дымчука проект «RESTART» – означает своеобразную перезагрузку арт пространства морского терминала. Так-же, Александр Ройтбурд считает, что после 90-х этот проет может дать толчок к возобновлению статуса Одессы, как значимого города на международной карте современного искусства.

Открытие 25 декабря в 18:00 (вход по пригласительным)
В рамках программы открытия – выступление группы «ДахаБраха», презентация первого номера журнала «Артподготовка», перформансы, дискуссии, творческие встречи и мастер-классы.

Галерея «Морской Арт-Терминал»
Одесса, Морской вокзал, ул. Приморская, 6
Тел.: 785 59 34
Цена билета – 30 грн., льготный – 15 грн.

До 22 декабря Ludmila Bereznitska & Partner Gallery представляет дебютный проект группы ubik. «Состояния» (куратор Ольга Балашова). ubik. – это группа молдых украинских художников: Алина Якубенко, Ярослав Коломийчук, Денис Саливанов, Виктор Харкевич.

Они могут отыскать искуство везде и во всем. Они культивируют его возможность проникать в самые неожиданные области человеческой жизни, поднимая сложные вопросы, на которые нет единого правильного ответа. Любой их проект – это своего рода полилог, поднимающий вопросы одинаково волнующие всех участников группы. Исходя из общй темы каждый художник формирует личное высказывание, говоря исключительно от своего имени. А заключительное слово, в этой дискуссии остается за зрителем.

«Состояния» – это разговор о современном человеке и его отношениях с предметным миром. Создав идеальный мир из вещей и предметов – он с трудом находит в нем место для себя.

Ludmila Bereznitska Partner Gallery
Киев, Андреевский спуск, 2б
Тел.: (+38-044)-425-0320
Время работы:
вт.-сб. 12:00-20:00

Сонографія – ультразвукове дослідження (синоніми: УЗД, ехографія, ультрасонографія), засіб отримання зображення в реальному часі, при якому для візуалізаціј структур всередині людського тіла використовуються звукові хвилі високој частоти від 2 до 10 МГц, що перевищують межу слухового сприйняття людини (20,000 Гц, чи 20 кГц). Тема життя до народження передбачає напругу в зв’язку з очікуванням і невідомістю через досить фатальну статистику в Украјні. Проект, працює з темою генофонду крајни. Живопис створений у манері «motion». Численні розмиті образи немовлят в утробі створюють пікторальну алюзію, яка відсилає до поняття стертој генетичној інформаціј. Живописний цикл «Сонографія» подає зображення ультразвукових досліджень плоду протягом вагітності: від перших днів до пологів.

В тому чи іншому середовищі проект здатен «обростати» іншим контекстом, резонуючи із його конкретними проблемами: соціальною нерівністю в умовах декларованој демократіј, впливом сусідства військових об’єктів на народжуваність і здоров’я дітей, тисячами сиріт та безпритульних дітей в украјнських містах… Сфера публічного розчиняється у приватному. Таким чином, дихотомія публічного та приватного представлена на розсуд глядача.

Холоднувата вигадливість сонограм, як постмедійного живопису демонструє зображення плоду в русі у двовимірному та тривимірному real time 3D (4D) вигляді, що є однією з найбільш сучасних інновацій у галузі новітніх технологій ультразвуку.

3-вимірна сонографія найкраще робиться на 20–32 тижні, ідеально між 24-м та 30-м. Деякі центри радять клієнтам прийти між 28-м і 32-м тижнями, або пізніше, для того, щоб отримати closeup зображення. Після 32-го тижня є більший ризик, що маля вже опускається в тазі, в цей час отримати його 3D зображення майже неможливо.

Але у виставці йдеться не про медіум, а про внутрішнє життя, про спілкування жінки зі своєю дитиною протягом всього періоду вагітності. Таке специфічне відокремлене спілкування двох, і не тільки на тактильному рівні, коли дитина штовхається чи перевертається всередині. Розмова з дитиною, читання, спів і навіть танці – дуже інтимний процес. Проект «Сонографія» – це не тільки спроба перевірки фізичного стану, але й спроба розмови про внутрішнє життя в духовному сенсі.

Карась Галерея
01025 Київ Андріївський узвіз 22-а
+38 044 2386531
office@artportal.org.ua
karasgallery.com
karas-gallery.livejournal. com

Презентація відбудеться у середу 7 жовтня о 19.00