22 червня – 11 липня галерея «АВС-арт» презентує виставку Олексія Полякова «Хортицьке небо – донецький степ» (малярство).

Навряд чи кому відомо, що роботу донецького художника Олексія Полякова «Удовина хата» придбав колишній президент США Білл Клінтон. Що ж зацікавило в ній людину іншого світосприйняття? Нагоду зрозуміти це ви маєте, завітавши на персональну виставку митця в галереї «АВС-арт».

Творче життя народного художника України з Донецька Олексія Полякова тісно пов’язане не лише з рідними дикими степами, а й із козацькою тематикою, Хортицею, Дніпром.

Доробок Олексія Полякова – гідний приклад розвитку та еволюції самобутньої малярської традиції. Його творчість спирається на здобутки попередників, рухаючись углиб живописної мови. Жанр пейзажу – саме там головно працює художник, яскраво демонструючи такий підхід. Художник не має на меті приголомшити глядача грандіозністю, екзотикою чи метафізичною наповненістю природних явищ. Він пропонує віднайти все це у здавалося б простих речах: дерев’яному містку, вихопленому сонячним променем, що веде око вглиб утаємниченого лісового царства, у монументальних, майже скульптурних деревах, які наче перетворюються на темні хмари зимового неба, у кольоровому карнавалі осіннього лісу. Найчастіше автора цікавить мотив, стан природи, а не деталізований дидактичний сюжет. Роботи майстра відзначаються імпресіоністичним кольоросприйняттям, фактурністю вільного, розкутого мазка, пластикою живописної поверхні, енергійно прокресленої мастихіном. Художник, використовуючи різноманітні засоби, прагне віднайти адекватні провідники між оком, душею та полотном.

Парадоксальним чином Олексій Поляков поєднує зрозумілу, близьку, майже побутову подію з чистотою першого погляду, що надає полотнам несподіваної ліричності.

Про автора
Олексій Поляков народився 1943 року в селі Калиново Луганської області. 1965 року переїхав у Донецьк.
Працював художником Будинку культури шахти ім.Засядька в Донецьку, художником-виконавцем у Художньому фонді Донецької організації Спілки художників, став членом республіканської творчої групи «Азовсталь» м.Жданова.
Удостоєний почесних звань «Заслужений художник України» та «Народний художник України».
Постійний учасник пленерів «Хортиця крізь віки».

Відкриття виставки 22 червня о 18:00

Галерея «АВС-арт»
Київ, вул. Воздвиженська, 10-Б.
Тел.: (044) 425-90-90

Час роботи з 11:00 до 19:00, окрім понеділка.

Марина – молодой фотограф, стилист и модель собственных работ, психолог по образованию (сейчас работает над диссертацией по психологии фотографии). Наверное, поэтому ее работы настолько нелинейны и слабо поддаются каким-либо видам анализа и кураторским текстам, они сами уже являются анализом – восприятия, чувств, рефлексий.

У выставки нет единой темы (она состоит из четырех автономных серий фотографий), но ясно чувствуется неуловимая нить – авторский стиль, который глубже, чем просто техника, – стиль мышления. Документальность души и химия обработки, тонкая грань и обостренно болезненное чувство красоты.

Открытие: 16 июня в 19.00

Галерея РА-фото
Киев, Б. Хмельницкого 32
Тел.: +38 (044) 235 36 21
Время работы: пн-пт. 13:00-19:00

14-19 июня в рамках программы поддержки молодых арт-инициатив, Центр Актуального Искусства «Эйдос» представляет дебютный проект Ларисы Полищук «ДИАГНОЗ» (фотография) на территории Ludmila Bereznitska & Partner Gallery.

Фотовыставка рассказывает о больнице. Изображая мир вещей и предметов, автор исследует ощущения и чувства, которые эти объекты вызывают. Все они, будучи выхваченными из госпитальных будней, так или иначе, создают ассоциативный ряд, где основные чувства – страх, боль, отвращение. В то же время, с помощью авторских приемов игры со светом, фотограф показывает зрителю множество путей визуального восприятия.

Название выставки «диагноз» – подразумевает исследование состояния нашей медицины, где методом является наблюдение, а симптомами – ежедневное наполнение постсоветских лечебниц, изоляторов, поликлиник и амбулаторий.

Я трепетно собираю эти уходящие картины в карту для диагноза, но не ставлю окончательный вердикт. Это право каждого.

Лариса Полищук

Открытие – 14.06.2010, 19:00

Ludmila Bereznitska & Partner Gallery
Киев, Андреевский спуск, 2-Б

5-17 июня в Шоколадном домике проходит выставка Ильи Чичкана «Der’mo & Zoloto» (живопись, видео, объекты, инсталяции).
Кураторы: Владимир Кадыгроб, Екатерина Тейлор.

Проект Ильи Чичкана «Der’mo & Zoloto» родился из хаоса окружающего мира, где обреченно барахтаются человеческие существа в поисках истины, смысла и счастья.

Многие тысячи лет люди искали смысл и счастье – так появились цивилизации и религии, философия и искусство, психоанализ и Голивуд. Но даже разгадав письмена Бога на шкуре ягуара из разказа Борхеса, увидев на миг невыносимую гармонию Колеса Вселенной, человек обнаружит счастье в одной-единственной точке – в самом себе.

Проект «Der’mo & Zoloto» – не только о поучительном контрасте счастливой бедности Востока и обременительного богатства Запада. Это проект о встрече с Другим и преодолении предрассудков, освобождении от глупых кумиров и прае говорить о мире своими словами.

Для некоторых людей, стран, временных отрезков хаос – это состояние души.

Илья Чичкан, Гоа – Индия, 2010г.

Представленные работы:
«Каста Золотых попрошаек». Живопись, инсталяция, 10 работ, 2х1.5м. Холст, масло, золотая пыль, мешки с навозом. 2009-2010
«Мех». Живопись, 3 работы. Коровьи шкуры, масло. 2009-2010
«Задний дворик», Живопись, 5 работ. Холст, масло. 2009
«Уроки бытовой йоги (левитация), или Питерские йоги GO HOME». Видео инсталляция. Чучело черепахи, монитор. 2009-2010
«Тренинг». Видео. 2009-2010
Объекты ремиксы: «Саммит 33-х попугаев», «Скажи Гонзалес а Бог есть?»

Шоколадный дом.
Киев, ул. Шелковичная, 17/2
Тел.: (044) 253-05-21
Цена билета 20 грн.

P.S.  Также, в Ludmila Bereznitska & Partner Gallery проходит выставка «Поверхностная реальность» Маши Шубиной (жена Ильи Чичкана), которая также является результатом поездки в Индию.

З 8-го до 22-го червня в Карась Галереї спільна виставка двох художників-колег по групі Р.Е.П. «Райдужні перспективи. Війна на небі» (живопис). Виставка присвячена темі безупинного оновлення життєвого середовища пострадянського міста та приховування його мешканцями реальності за убогим блиском змінних поверхонь. На думку художників, «євроремонт» глибоко пронизує всі суспільні процеси молодої пост-соціалістичної країни. «Євроремонтна свідомість», яка завжди нехтує фундаментальним заради імітаційного, стає предметом дослідження у живописній серії Лесі Хоменко та інсталяції Нікіти Кадана, з яких складається виставка.

Леся Хоменко, слідуючи своїй живописній стратегії, виводить зображення за межі фігуративу, зосереджуючись на нанесенні акрилової фарби на поверхню, “розмиває межі зображення”. Для нової серії картин обрані ніжні розбілені кольори, такі, що застосовуються при декоруванні інтер’єрів та фасадів будівель у “євроремонті”. На полотнах один відтінок плавно перетікає в інший, створюючи ілюзію недосяжного раю, тотального затишку. Художниця констатує інертність суспільства і тенденцію до прикрашання (декорування) замість серйозних структурних змін. Створення приватного затишку за новими “західними” зразками нерозривно пов’язане з втечею у приватне від болючого публічного. Розмивання зображення відсилає до розмивання наративу взагалі, як в культурі, так і в інших проявах суспільного життя.

Нікіта Кадан протиставляє простір виживання простору боротьби репрезентацій статусу та влади. Люди тихо й непомітно облаштовуються на руїнах колишньої утопії, а на небесах гримлять надлюдські війни Капіталу. У інсталяції-настінному розписі художника над зображеннями кварталів хрущовок розгортається «битва» площинних геометричних фігур, яка нагадує супрематичні композиції початку 20 ст. Але ці фігури розфарбовані у новітні інтер’єрні кольори. Водночас вони нагадують і міську картографію, до якої художник звертався раніше. Таким чином «чисті» геометричні форми стають уособленнями житлових мікрорайонів радянського часу, торгівельних центрів, офісних будівель, «елітних житлових комплексів». Суцільно конкурентне середовище сьогоднішнього міста з’являється у двох втіленнях: як простір «абстрактної» боротьби форм (форм власності, владних та комерційних функцій) та простір «голого життя», яке весь час знаходиться під загрозою та змушене бути постійною жертвою дій конкуруючих сторін.

Презентація – 8 червня, вівторок о 19:00

Карась Галерея
Київ, Андріївський узвіз 22-а
Тел.: +38 (044) 238-6531

Пройшовши складний шлях пошуку самої себе в образотворчому мистецтві й долаючи надломи власної занадто складної долі та життя, мисткиня зумыла викристалізувати чисто-прозору уяву про форму та зміст образотворчого мистецтва на рубежі тисячоліть, коли кітчевість композицій і тем олійних та графічних творів деяких побратимів по пензлю в дусі голландців або імпресіоністів із відкритим натяком на псевдоеротику – чоловіче начало обрамлене ампірною клоунадою, а жіноче підробною дівочою цнотливістю – заполонила український виставковий простір.

Світлана Зелена свідомими, несвідомими і надсвідомими колірними цятинами домагається суті високої естетики українського абстрактного графічного і малярського мистецтва. У її творах – дух афоризму, чутливість, надчуття її природного таланту, що, безперечно, увесь час індикує реакцію мисткині на суспільну суперечність українського урбанізованого довкілля.

У творах Світлани Зеленої, як графіка-абстракціоніста, віддзеркалюється туга за шляхетною злагодою та зрівноваженістю у замісиві серпанкового співжиття компліментарних тонів і напівтонів, що утримують логіку колориту.

Працюючи над олійними творами Світлана Зелена заглиблюється у власні абстрактні експерименти мовою графіки та в інтерпретацію складних тем або сюжетів, долаючи лабіринт болючих протилежностей новочасного поспішного і занадто складного життя.

Про автора
Світлана Зелена закінчила Луганське художнє училище (1972-1976), монументальний живопис у Харківському художньо-промисловому інституті (1976-1981). Викладала живопис у Львівському інституті декоративно-прикладного мистецтва (1981-1983). Зрештою творить у художніх майстернях Житомирської організації Національної Спілки художників та у власній робітні.

Відкриття виставки 1 червня о 18:00
Галерея «АВС-арт»
Київ, вул. Воздвиженська, 10-Б.
Тел.: +38 (044) 425-90-90

Виставка працює 2-20 червня з 11:00 до 19:00, окрім понеділка.

20 травня – 2 червня в київському Центрі сучасного мистецтва «Soviart» виставка сучасного литовського живопису «Стан неспокою». Представлені роботи різних поколінь литовських художників: Віґантаса Паукштє, Лінаса Ляндзбєрґіса, Бронюса Ґражіса, Вірґініюса Вінінґаса, Константінаса Ґайтанджі, Вітаутаса Васілюнаса. Куратор Лінас Ляндзберґіс.

Виставка «Стан неспокою» – це частина проекту литовських митців «Анатомія страху». Автори, які беруть участь у цьому проекті, у своїй творчості відображають дух сьогодення: його цінності, страхи і пошуки. Майже всі роботи в Україні представлені вперше.

В окремих творах (або у творчості загалом) всіх митців, які беруть участь у виставці, неспокій відображається як пластичний прояв, індивідуальна позиція, об’єкт творчості або загальний емоційний стан. Мета виставки – передати індивідуальний погляд митця на неспокій її глядачам – намагання нейтралізувати цей неспокій або ж навпаки, зробити його двигуном власного творчого стилю

Лінас Ляндзберґіс, куратор

У виставці «Стан неспокою» будуть представлені твори художників різних поколінь. Тому глядачі матимуть можливість оглянути сформовані пластичні відображення, різні погляди авторів на навколишній світ і себе, емоційні стани і навіть побачити своєрідну іконографію неспокою, що була властива різним поколінням.

Через тему неспокою в експонатах виставки відкривається зміна традицій живопису і відчуття світу загалом. Твори, що об’єднані єдиною темою, розкриють індивідуальні розбіжності різних поколінь митців, а також дозволять роздивитись форми неспокою, що властиві литовським художникам.

ЦСМ «Soviart»
Київ, Андріївський узвіз, 22-А
Тел.: +38 (044) 425-2219, 425-1079

С 21 мая по 10 июня в Ludmila Bereznitska & Partner Gallery пройдет выставка «Поверхностная реальность» Маши Шубиной.

Новый проект Маши Шубиной вполне сопоставим с известным кредо художницы – работать с собой и над собой. Вместе с тем, положение «героини-Маши» в новой серии смещается с позиции «Центра Вселенной» в плоскость «мир глазами Маши». В нашем проекте Маша превращается в наблюдателя, в некого активного созерцателя или акционера, который выражает свое несогласие или солидарность с тем, что происходит вокруг.

Объект ее исследования – вечная и бесконечная природа Индии и то, что с ней сделали и делают различные исторические культурные напластования. Эти, въевшиеся в структуру предметной среды, слои вполне красноречивы. Они повествуют о борьбе между природой и цивилизацией. Помочь природе вернуть ее первозданность решила и Маша. Она придумала и провела настоящий эксперимент, использовав для этого свой художественный инструментарий.

Что это за инструментарий, как он был применен в художественных акциях Маши, как она в действительности боролась против заcилия «псевдо» и суррогатных ценностостей, мы с Вами увидим на выставке в галерее.

Этим проектом Маша Шубина выражает свое отношение к варварству цивилизации по отношению к древней культуре и на этой критической волне сама создает собственные художественные суррогаты, заставляя историю и ее завоевания служить свободному волеизъявлению современного творца.

Так известная украинская художница Маша Шубина выражает свою социальную и художественную позицию, призывая нас к социальной ответственности и борьбе за чистоту окружающей среды.

Людмила Березницкая

На поверхности болота иногда возникает иллюзия проходимости. На поверхности моей жизни – также. Но если углубиться, то это непроходимые джунгли бытия и работы – работы над ошибками, работы над собой.

Не секрет, что во время украинских зимних морозов я пребывала в Индии. И это здорово. Но когда я слышу вопрос «Как отдохнули?», мне становится неловко за человека, который его задал. Я не отдыхала. Я работала. И тот факт, что мне не приходилось отыскивать в шкафу пару теплых носков и кутаться в шарф, не означает, что я ничего не делала. Результат Вы сможете увидеть сами.

Благодаря индийскому материалу поверхность простого полотна с печатью производителя «отпечаталась» на моем лице. Таким образом, моя небольшая «работа» четырех месяцев наложилась на многовековую традицию текстильной мануфактуры Индии, где само полотно является конгломератом вcех плащаниц, всех народов и всех религий в интерзоне.

В данной интерзоне пластик и синтетическая эстетика зачастую преобладают над органикой, которую так пропагандируют приезжие биоактивисты.

Так, например, во времена освоения Андаманских островов правительство Индии отправило ряд катеров, полностью загруженных пластиковой разноцветной утварью. В результате все судна были обстреляны с берегов стрелами туземцев. Высадка на берег не состоялась, цивилизация не нагрянула. Но, спустя некоторое время, на прибрежной полосе диких островов накопилась куча вторичного мусорного пластикового сырья, прибитого водным течением со стороны Таиланда.

Таким образом, желание «опластмассить» девственное общество достигло своих успехов, как побеждает приучение младенца к резиновой соске, что стирает какую-либо этническую привязку.

Но, тем не менее, стереть культурный псевдослой почти невозможно, как ни старайся. Я старалась – три подхода по 20 минут каждый день.

Таким образом я, чужестранка, боролась и впитывала поверхность субкультуры, впитывала поверхности. И накладывала её на собственное видение ситуации. А ситуации бывают разные…

Шубина Маша, Гоа-Киев, 2009-2010г

Открытие выставки 20.05
Ludmila Bereznitska & Partner Gallery
Киев, Андреевский спуск, 2-Б

С 19 июня М17 Центр современного искусства представит выставку украинских художников «Семена Оливы»: Александр Гнилицкий, Александр Ройтбурд, Илья Чичкан, Василий Цаголов, Виктор Сидоренко, Юрий Соломко, Максим Мамсиков, Илья Исупов, Дмитрий Кавсан, Матвей Вайсберг, Анатолий Степаненко, Руслан Тарабукин, Андрей Сагайдаковский, Игорь Гусев, Александр Клименко (живопись). Кураторы: Акилле Бонито Олива (Рим), Алексей Титаренко (Киев).

«Семя Оливы» – так когда-то назывался текст молодого Саши Гнилицкого. Далекий итальянский Олива был для нас легендарной, полумифической личностью. В конце 1970-х Акилле Бонито Олива придумал красивую сказку о том, что время сухого, выморочного концептуализма-минимализма кончилось. Нашел несколько молодых итальянских художников, писавших громадные непричесанные холсты. Назвал все это лихим буденовским словом трансавангард, издал пару книг, сколотил чуток выставок – и по всему миру в 1980-е хлынула волна горячей, чувственной живописи.

Несколько капель докатилось до Украины – в виде слухов-мифов-репродукций. Нам хватило и этого. Семя Оливы пало на благодатную почву. Живописеодержимая Украина мечтала о таком мифотворце. И он явился. Украинский трансавангард , всколыхнувший, в свою очередь, всю Москву – там это назвали «южнорусской волной». Мощная, слегка безумная, чуток психоделическая волна захлестнула Москву и окрестности.

Алексей Титаренко

Акилле Бонито Олива

Итальянский культуролог и теоретик современного искусства Акилле Бонито Олива является автором термина «трансавангард».

Родился в 1939 в Каджиано, близ Неаполя

Начинал как поэт, участник легендарной литературной «Группы ’63»

Автор многочисленных публикаций, среди которых: «Магическая территория. Альтернативные стратегии современного искусства» (1971), «Идеология предателя. Искусство, манера, маньеризм» (1976), «Разный авангард: Европа/Америка» (1976), «Жизнь Марселя Душана» (1976), «Итальянский трансавангард» (1980), «Международный трансавангард» (1982), «Малые манеры. От эпохи Чинквеченто к трансавангарду» (1984), «Суперискусство» (1988), «Дежурные предметы» (1997).

В 1980 – придумал специальный павильон для молодых художников Aperto! (Открыто!) на Венецианской биеннале и стал с Харальдом Зееманом его куратором.

Художественный руководитель XLV Венецианской биеннале (1993)

Открытие 19 июня

М17 Центр современного искусства
Киев,ул. Горького (Антоновича), 104
Тел.: +38 (044) 596-2030

Время работы: 10:00 – 20:00, кроме понедельника
Вход свободный.

15 – 30 мая в галерее Боттега будет представлен проект Артема Андрейчука «Кафельные Мадонны. In Buff».

В серии «Кафельные мадонны. In Buff» Артем Андрейчук обращается к классическому мотиву обнаженной натуры, но насыщает его совершенно иными смыслами. С одной стороны, в работах отражены стереотипные представления о роскоши, беспечной гламурной жизни, с другой же – они несут остросоциальный подтекст. Алкоголь, бассейн, ночные гулянья, сигаретный дым – все это признаки не слишком здорового способа жизни, но для многих они стали их выбором.
Мадонна (Богоматерь, Дева Мария) – святыня, один из наиболее почитаемых образов в христианстве. В «Кафельных мадоннах» утрачен духовный смысл. Называя этих фемин мадоннами, художник буквально воспроизводит итальянское слово «Ма-донна», моя госпожа, моя женщина.

Перед нами новый предмет обожествления, обнажающий современные идеалы, открывающий наготу современного общества без табу, общества, лишенного сокровенного, общества, которое уже привыкло пользоваться шаблонами и масками, общества со стертым индивидуализированным началом, где образ «Младенца» на руках Мадонны растворяется в «слонике-клонике».
Работы, их эстетика, вызывают в памяти культовые произведения XX века – «La Dolce Vita» Федерико Феллини и «Великий Гэтсби» Скотта Фитцджеральда. Персонажи «Кафельных мадонн» воспринимаются как существа из другой действительности, созданной при этом очень реальными средствами: кафель, велосипедные отражатели, высушенная кукуруза, медиумы, пластик, пенопласт… Кафель вызывает вполне бытовые ассоциации с ванной, местом, где человек остается таковым, каким он есть. Кафель и эпоксидная смола придают картинам эффект эмали, глянцевая поверхность – это намек на идолизацию женщин с обложек журналов. Художник переосмысливает идеи поп-арта с его «безжалостным отношением к вещам-как-они-есть», где «Мадонна» – очередная вещь, требующая пристального рассмотрения.
Dolce vita, социум, глянец или улыбка… Можно достаточно долго продолжать искать метафоры и содержания – такая инициатива теперь передается зрителю.

Об авторе:
Артем Сергеевич Андрейчук
1995-2002 – учился в Республиканской художественной школе им. Т. Г. Шевченка.
2002-2008 – учился в Национальной академии изобразительного искусства и архитектуры. Факультет живописи, мастерская станковой живописи под руководством М.Є. Гуйды.
2003-2008 – участник и призер академических художественных конкурсов
м. В. Зарецкого, В. Пузырькова, В. Шаталина.
Участник персональных и коллективных выставок

Галерея Боттега
Киев, ул. Михайловская, 22б
Тел.: +38 (044) 279-53-53, 279-83-83
Время работы:
Пн-Пт 10:00-20:00
Сб-Вс 11:00-18:00

12 мая – 1 июня в Карась Галерее пройдет выставка Виктора Покиданца «Бригада» (живопись). Она включает в себя две масштабные пятиметровые работы, логичное продолжение большой программы «АртПром» начатой несколько лет назад («Сажа» 2007, «АртПром» 2008, «Время Обедать» 2009). Это не художественная симуляция и поиск модной темы, а естественное для автора наблюдение и переживание личного повседневного и происходящего.

Родившись и живя в Николаеве художник с детства находится в пространстве типичной постсоветской монументальной индустрии кораблестроения. Это искреннее исследование взаимосвязи поэзии рабочей повседневности и уставшего металла. Эта выставка, учитывая размеры работ, скорее кульминация, чем очередной этап.

Участие работ из программы «АртПром»:
- Предаукционная выставка Сотби, Киев, 2009
- Выставки частных коллекций, Украинский Дом, Киев, 2009
- «АртПром» персональная, Карась Галерея, Киев, 2008
- «Рабочий стол», групповая выставка, Карась Галерея, Киев, 2008
- «Сажа», персональная, ART МОСКВА – 2007(галерея 45), Москва, 2007

Открытие 12 мая, среда в 19:00

Карась Галерея
Киев, Андреевский спуск 22-а
Тел.: +38 (044) 238-6531